▷ Música y videojuegos. | Lo que tienen en comun

La música se puede comparar con un lenguaje creado para transmitir palabras, emociones e incluso mensajes comprometidos. Desde la Edad Media hasta hoy, la música siempre ha superado a las palabras transmitidas por todo tipo de obras como el teatro, el cine y por supuesto los videojuegos. Es precisamente este último apoyo el que nos interesará durante esta breve introducción.

En el principio no había nada»

Para hablar de la evolución de la música en los videojuegos, tenemos que hablar de la evolución de los videojuegos en sí, porque en definitiva los dos están intrínsecamente ligados. En la década de 1970, cuando los videojuegos estaban en su infancia, ya existían juegos como Stink. El juego sólo tiene tres o cuatro sonidos diferentes y ninguna canción. Esto se debía principalmente a que la tecnología y el equipamiento de la época eran muy limitados y era imposible crear obras musicales dignas de ese nombre. Además, los propios desarrolladores son los responsables de la banda sonora, no el compositor, lo que explica que el número de canciones sea muy limitado. En todo caso, se parecen más a una canción o una serie de notas breves integradas en el código del juego, que sirven principalmente para fines prácticos, como anunciar la muerte de un personaje. Poco después, en la década de 1970, se estableció una «norma» para añadir una serie de anotaciones a los juegos arcade para diferenciar y dar al videojuego personajes, o incluso personalidad, a modo de introducción. Donkey Kong.

Los años 80, el inicio de un movimiento musical

En la década de 1980, con la llegada de las consolas de videojuegos domésticas, la música «LA» comenzó a surgir en este medio. De hecho, la capacidad del equipo para crear historias más largas y diferentes tablas ha mejorado significativamente, lo que llevó a los desarrolladores a querer crear una atmósfera para cada mesa que las haga únicas. Esto funciona para juegos como Super Mario Bros. La música de The Legend of Zelda fue compuesta por Koji Kondo, y también fuimos testigos de la creación de la propia OST (Original Soundtrack) del videojuego. Por tanto, podemos ver el surgimiento de zonas o personajes con su propia atmósfera musical, dándoles más carácter o personalidad. Dicho esto, si bien las consolas más potentes de la época aún impedían que los compositores usaran instrumentos reales, eso no les impidió explotar las limitaciones del dispositivo para ofrecer experiencias creativas que permanecerán en la memoria colectiva.

Los años 90, la llegada de los CD-ROM y las bandas sonoras instrumentales.

Con la carrera por la innovación tecnológica en la década de 1990 y las guerras de consolas entre Nintendo y Sega, también vimos un aumento en la calidad de la música. La transición de 8 bits a 16 bits produjo música memorable, como la banda sonora del primer Sonic en SEGA Genesis («Casino Night» sigue siendo mi canción favorita), y en el lado de Nintendo, la banda sonora de Chrono, «Trigger», permanecerá para siempre. quedará grabado en mi memoria, pero el mayor cambio se produjo con Playstation y SEGA Saturn, que utilizaron el CD-ROM como soporte.

A partir de ese momento, la música del juego ya no estaba codificada ni integrada en el código del juego, sino que se grababa en pistas dedicadas con instrumentos reales y luego los jugadores la reproducían en la consola. Esto le permite crear partituras que son tan memorables como usted. Final Fantasy VII. Además, con el espacio que ofrece este nuevo medio, los compositores se ven menos restringidos a la hora de expresar su arte y utilizar todas las herramientas a su disposición para crear un entorno para un determinado tipo de juego, como un juego de acción o de rol. . . Sin embargo, incluso con los cartuchos, Nintendo se adaptó brillantemente a las limitaciones de su tecnología y continuó creando bandas sonoras memorables como The Legend of Zelda: Majora’s Mask y más.

Desde el 2000 hasta hoy, música y más

Al amanecer del nuevo milenio, ya no vemos grandes innovaciones en el mundo de la música. Las limitaciones técnicas que limitaban el proceso creativo de un compositor ya no existían, y el uso de técnicas más restrictivas se convirtió más en un ejercicio de estilo y creatividad que en una limitación práctica. Los artistas siguen utilizando la música para realzar emociones y momentos en los videojuegos. También vemos que la música se utiliza como elemento del juego además de una simple decoración. Juegos de ritmo como Bone!, Just Dance, Dance Revolution e incluso Beat Hazard ponen la música en el centro del juego para brindar una experiencia musical completamente nueva.

Con el tiempo, la música ha ido evolucionando junto a los videojuegos, convirtiéndose en el estándar para disfrutar de los videojuegos. A veces como acompañamiento, a veces como elemento esencial del juego, la música conecta con ese entorno para potenciarlo. Evidentemente hablar de música y videojuegos es un tema muy amplio porque hay mucho que decir. De más está decir que seguiremos profundizando en el mundo de la música de videojuegos en próximos artículos.

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